A Capella: Expresión italiana que significa “en estilo de ...



A Capella: Expresión italiana que significa “en estilo de iglesia”. Se aplica a la música coral para ser cantada sin acompañamiento instrumental. A veces, un órgano dobla las partes vocales de un coro. Coloquialmente significa “cantar sin acompañamiento musical”.

Aria (italiano): Pieza musical para voz y orquesta inserta en una ópera, un oratorio, una cantata, una misa, etc. Su origen se remonta a finales del XVI y su empleo se generaliza en la ópera barroca. En el siglo XVIII ya está perfectamente definida como forma musical, hasta el punto de que el desarrollo dramático de la ópera se estructura en función de la colocación de las arias en alternancia con los recitativos. El aria es el momento de la ópera en que uno o varios solistas despliegan en plenitud sus recursos vocales y emotivos.

Bel canto: término italiano que significa literalmente “canto bello”. Tiene su origen y desarrollo en Italia, ligado a la ópera, y su principal característica es la agilidad y el lirismo que deben realizar las voces en su ejecución. El bel canto es, pues, todo un género operístico, surgido en el siglo XVII tras el abandono de los recitativos barrocos y la inclusión en las óperas de canciones dulces y expresivas que priorizaban las cualidades vocales del intérprete. (Bellini, Rossini).

Blues: estilo de música negra de principios del siglo XX, surgida en Estados Unidos. Se trataba de una música popular que surgió de la misma mezcla de ideas africanas y europeas que habían dado lugar a los cantos de trabajo y a los espirituales. El blues canta los sentimientos, temores y esperanzas del hombre negro. En sus orígenes era interpretado por un cantante acompañado de guitarra, banjo o piano. Se basa en una escala llamada escala de blues. La mayoría de las canciones de blues siguen la forma del blues de 12 compases y constan de tres frases, siendo las dos primeras iguales. Así pues, cada una de las frases emplea cuatro compases de 4/4.

Concerto grosso (italiano): tipo de concierto barroco de finales del XVII y principios del XVIII, que alterna las partes orquestales (tutti) con las intervenciones de un pequeño grupo de solistas (concertino). La orquesta es fundamentalmente de cuerda, y está sustentada por el bajo continuo. Consta de varios movimientos, alternando tempi rápidos y lentos Es muy frecuente el uso del ritornello, pasaje musical que se repite varias veces a lo largo de la obra, no siempre de modo literal.

Concierto para solista: tipo de concierto que sucede al concerto grosso y que se concibe para un solo instrumento solista (violín, oboe, flauta, piano, etc.) que dialoga con la orquesta. El esquema rápido-lento-rápido, fijado por Vivaldi en el XVII, se mantiene en la forma establecida por Mozart durante la etapa clásica.

Cuarteto de cuerda: Género camerístico para dos violines, viola y violonchelo. Haydn y Mozart fueron los principales impulsores del cuarteto, heredero de la sonata a trío barroca. Constaban de cuatro movimientos: allegro de sonata- andante (adagio)- minué- allegro. Es de destacar la importancia pareja de los cuatro instrumentos implicados, lo que convierte al cuarteto de cuerda en el género por excelencia de la música pura.

Folklore: Folclore es un término proveniente del inglés folklore: folk (pueblo) y lore (conocimiento). Significa, por tanto, conocimiento del pueblo, o cultura del pueblo. Algunos autores, como Antonio Machado y Agustín García Calvo, utilizan también la traducción correspondiente, sabiduría popular.

El folclore es el conjunto de creencias, costumbres, artesanías, etc., tradicionales de un pueblo. También es la ciencia que estudia estas materias.

Un material folclórico es, generalmente, de autor anónimo, datación incierta y transmitido oralmente de generación en generación. En especial, se suele usar el término folclore para referirse a la música folclórica, es decir, de raíces populares.

Forma de sonata: forma musical que desde la segunda mitad del siglo XVIII dominó la música sustentada en la estructura tonal. El movimiento tipo de sonata se divide en tres partes: exposición, desarrollo y reexposición. En la exposición se presentan uno o varios temas, con tonalidades y caracteres contrastantes (normalmente un tema A, en la tonalidad de la obra; y un tema B, en la dominante o en el relativo mayor o menor). En el desarrollo, parte de los materiales presentados en la exposición se someten a modificaciones armónicas, melódicas y rítmicas. La reexposición supone un regreso al orden inicial, con el tema B adoptando la tonalidad del tema A.

Lied: literalmente, significa canción en “alemán”. Forma musical cuya estructura es A-B-A, por lo común. En la historia de la música, el lied es el tipo de canción en habla alemana que florece en el Romanticismo (siglo XIX), inspirado en textos poéticos e interpretado por una voz solista con acompañamiento de piano. Autores: Schubert, Schumann, Hugo Wolf, etc.

Madrigal: composición vocal, normalmente para cuatro o cinco voces, que tiene su origen en el siglo XV y su momento de máximo esplendor durante los siglos XVI y XVII. En su forma definitiva presenta una textura contrapuntística e imitativa típica de la polifonía. Emplea textos profanos líricos como base para la creación musical. Con Monteverdi y Gesualdo, adquieren un aire más dramático y expresivo.

Minimalismo: estilo que se desarrolló en Estados Unidos, desde 1960 hasta la década de los 90, cuyo principio se basa en la repetición de estructuras musicales sencillas. Varios elementos convergen en ella: música oriental, electrónica, pop, variación improvisada, secuencias microtonales y armonías consonantes. Philip Glass y Steve Reich son sus representantes más destacados.

Motete: Canción coral de tipo religioso con textos en latín, de estilo polifónico. Su origen es medieval (siglo XIII), momento en que se añaden mots (palabras) a la voz superior en melodías cantadas sin texto y a varias voces (melismas). A esa voz se le denomina motetus, y luego se extiende este nombre para designar todo el canto. En el XV, el motete es una pieza polifónica con texto en latín, para tres o más voces que adquieren poco a poco el mismo ritmo.

Música aleatoria: se aplica este término a ciertas disciplinas musicales del siglo XX que conceden un lugar importante al azar o a la probabilidad. Existen diferentes modos de incorporar el azar o la probabilidad a una composición musical.

1. Una importante libertad individual de los músicos dentro del grupo.

2. Improvisación colectiva.

3. Creación de formas abiertas o móviles.

4. Recuso al ordenador para la explotación sistemática de las combinaciones seriales (composición “automática”).

5. Mezclas aleatorias (cintas magnetofónicas, o cintas y música en vivo, etc.)

6. Acumulación de un gran número de factores sonoros, fortuitos o preconcebidos.

Música concreta: corriente musical de vanguardia, impulsada por Pierre Henry (1929-) y Pierre Schaeffer (1910-1995). Creada en laboratorios de sonido, parte de grabaciones en cinta magnética de sonidos naturales o “concretos” (risas, palabras, ruidos…), es decir: no producidos por instrumentos musicales. Esas grabaciones se manipulaban artísticamente para producir nuevos mundos sonoros.

Música programática: Tipo de música sinfónica, carácterística del Ronamticismo, que pretende expresar una idea o “contar” una historia, y comunicarla al oyente por medio de un programa que sirve de argumento. La música programática dio origen al poema sinfónico. Un precedente ilustre de esta concepción de la música es el ciclo de las Cuatro Estaciones, de Vivaldi, en el período barroco.

Obertura: pieza de música instrumental, generalmente en varios tiempos, con que se da principio a una ópera, oratorio u otra composición lírica. || Al principio, los dramas musicales carecían de obertura, pero poco a poco se puso de moda empezar las óperas con una pequeña sinfonía. Durante el siglo XVII y la primera mitad del XVIII se establecen como modelos la obertura italiana y la obertura francesa. En el Clasicismo adoptarán la forma sonata (Mozart), mientras que los compositores románticos buscarán acomodar la obertura a las necesidades dramáticas de la obra, introduciendo los motivos y frases musicales que se desarrollarán en escena.

Poema sinfónico: forma musical para orquesta, en un solo movimiento, ligada a ideas extramusicales, y basada en uno o varios temas que reaparecen garantizando la unidad formal de la obra. Puede desarrollar una historia o describe un paisaje, un país, una región. Es una forma del XIX, romántica y a menudo nacionalista. Liszt es su principal impulsor.

Pop: Pop es un término de múltiples acepciones, que se emplea tanto para designar a la cultura de masas a partir de la segunda mitad del siglo XX, como a un género musical que procede de las raíces del rock de los 50. En este sentido, el pop supondría un salto adelante frente a las convenciones del rock clásico, configurándose como un estilo que fagocita todo tipo de influencias: folk, electrónica, clásica…; y que comprende artistas tan dispares como The Beatles o The Beach Boys (en su extremo de mayor calidad artística) y, por el otro lado, la canción de consumo más trivial. Por lo general, se tiende a creer que el pop concede mayor importancia a la inspiración melódica y a la riqueza de las armonías vocales, frente a la mayor contundencia rítmica del rock.

Preludio: Por lo general, pieza musical breve que se tocaba antes de una obra de mayores dimensiones. En el Renacimiento, el preludio antecedía a un oficio religioso, o consistía en una serie de florituras que el instrumentista ejecutaba para verificar el tono del instrumento. En el Barroco, la suite y la fuga estaban precedidas por un preludio. Con el Romanticismo, se convierte en una forma pianística independiente.

Recitativo: Forma musical concebida para la voz humana, nacida en Italia a comienzos del XVII, en el seno de la Camerata Fiorentina auspiciada por el Conde Bardi. Es una especie de declamación entonada, empleada en la ópera, el oratorio y la cantata durante los siglos XVII al XIX. Frente a la expansión lírica de las arias, el recitativo aprovecha su naturaleza discursiva para poner el énfasis en la acción del drama.

Rock: Género musical surgido en la década de los 50 del siglo XX, producto de la fusión entre el rhytm and blues negro y el country blanco. Oficialmente, el rock nace con la grabación, en 1954, de That´s all right, (Elvis Presley); si bien el término aparecía ya en un tema de Bill Haley and the Comets: “Rock around the clock”. Parece ser que el término rock se refería al acto sexual en la jerga de la población negra. Eso ilustra las características de esta música, en la que el ritmo se impone a la inspiración melódica y la amplificación del sonido (guitarras eléctricas, bajo, batería y voz) juega un papel esencial. Ha sido quizás el primer género ligado de manera inequívoca al estilo de vida e inquietudes de los jóvenes.

Romanza: Aria breve y de carácter casi siempre amoroso. A veces también se aplica al aria más importante de una ópera. En el Romanticismo, se emplea este término para referirse a obras instrumentales, de carácter intimista y con ciertas connotaciones narrativas. Ejemplo: Romanza sin palabras, de Mendelssohn.

Suite: Forma musical compuesta por varios movimientos breves cuyo origen son distintos tipos de danzas barrocas. Para que se mantuviera la unidad interna, todos los movimientos se componían en la misma tonalidad, o en su relativo menor. Las danzas tenían una forma binaria simple, es decir, dos secciones muy semejantes. Solían alternarse danzas de tempo rápido con otras de tempo lento. Una suite podía constar de hasta diez movimientos, antecedidos por un preludio. Los más frecuentes eran: allemande, courante, zarabanda, bourré y giga.

Sinfonía: Género musical para orquesta más importante de los siglos XVIII y XIX. El origen de la sinfonía está en la obertura orquestal que se tocaba antes de las representaciones operísticas. Esta obertura constaba, por lo común, de tres movimientos: rápido-lento-rápido. La sinfonía clásica adoptó esta forma, con el añadido posterior de un cuarto movimiento: el minué. Los auténticos creadores del género fueron Haydn y Mozart. En sus sinfonías se emplea la forma sonata para el primer movimiento, dotando a éste de la esencia dramática aportada por el diálogo entre los temas. El segundo movimiento era de tempo lento; minué/scherzo, para el tercero; el cuarto movimiento solía adoptar la forma rondó.

Swing: 1. El swing (o jazz caliente) es un estilo musical del jazz de los primeros tiempos (1935-1945, la era del swing) característico de las big bands. Es un estilo compuesto, aunque con un pequeño margen para la improvisación, y cuidadosamente orquestado, estableciéndose a menudo fuertes contrastes entre los metales y los instrumentos de caña. Se tocaba con suavidad y con un leve rubato (o swing rítmico). Otra característica es el uso del riff, una frase melódica o armónica que se desplaza de sección en sección. Destacados intérpretes: Louis Armstrong, Benny Goodman, Glenn Miller.

• 2. La palabra swing hace referencia a una cualidad musical inefable (en un sentido similar al de la palabra duende aplicada al flamenco). Se dice de una interpretación (normalmente, vinculada al jazz) que tiene swing cuando se quiere resaltar que el intérprete ha logrado conferirle una cualidad rítmica especial en algún sentido

Trovador: Poeta y compositor de la Edad Media, en particular el que utilizaba la lengua provenzal, desde mediados del siglo XI al XIV. El trovador componía texto y música. Su poesía, de tema amoroso dentro del código medieval del amor cortés, fue difundida por los juglares.

Villancico: Género poético y musical de época medieval y renacentista. El villancico se fundamenta en la sucesión de varias coplas unidas mediante un estribillo. Cada copla, a su vez, se divide en una mudanza y una vuelta. Sus temas, de raíz popular pero de posterior elaboración culta, suelen ser pastorales o amorosos. Los mejores ejemplos de villancicos renacentistas se recogen en el Cancionero Musical de Palacio, y los autores más destacados son Juan del Encina y Cristóbal de Morales.

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